Arte Colonial en Venezuela

Este óleo y témpera sobre tabla ( 48.5 x 32 cm)  muestra a dos figuras femeninas con una evidente desproporción entre ellas. La figura de mayor tamaño se encuentra sentada en una silla frailera con apoyabrazos y patas rojas. Cubre su cabeza con un velo blanco, viste túnica verde y manto amarillo. La figura más pequeña se encuentra de pie, con un pequeño libro entre sus manos. Viste túnica blanca y manto azul. Ambas figuras llevan aureolas en sus cabezas. Se encuentran en un espacio cerrado, con fondo neutro oscuro, y una estructura arquitectónica: columnas de orden toscano que sostienen un arco que simula ser de piedra. La tabla posee un marco de madera policromado en rojo y amarillo. Anónimo, La educación de María El cuadro representa a Santa Ana, madre de la Virgen María y esposa de San Joaquín, en el momento de enseñarle a su pequeña hija a leer. Se trata de un tema tardío, que surge en el arte europeo hacia finales de la Edad Media. A pesar de no hallarse ninguna referencia so...

Una de las piezas más interesantes que nos ha tocado estudiar es esta talla de la Virgen de la Candelaria . Una escultura, sin firma, en madera de cedro, policromada, encarnada y estofada, de unos 107 cm de alto aproximadamente.  Lázaro González de Ocampo, Virgen de la Candelaria, ca. 1703 La pieza representa a la Virgen de la Candelaria, una advocación mariana muy popular en América del Sur, que representa la purificación de María siguiendo las leyes mosaicas. Según el Evangelio de San Lucas (2, 22-40) a los cuarenta días después del nacimiento de Jesús, María se presentó junto a su hijo en el templo portando las ofrendas (unos pichones) y cinco ciclos de plata. En el templo la esperaba el anciano Simeón, quien reconoció el carácter divino del niño presentado profetizando que una espada (símbolo de un gran dolor) atravesaría el corazón de esa joven madre. La ofrenda de los pichones o palomas era propia de las familias judías pobres, ya que lo usual era entregar un cordero a camb...

La iconografía de la Virgen del Rosario se   crea en el siglo XV y se difunde ampliamente gracias a la orden de los Predicadores o Dominicos, quienes la convirtieron en su patrona.  A diferencia de otras advocaciones marianas como la Merced o el Carmen , la Virgen del Rosario no viste el hábito dominico, sino su tradicional vestido rojo con túnica azul marina. Por lo que el rosario se convierte en el principal atributo que nos permite identificarla. Es precisamente la presencia del rosario lo que nos ayuda a titular este cuadro anónimo (51 x 67 cm) que sigue un modelo ampliamente desarrollado por artistas como Juan Pedro López (1724-1787) y el Taller de los Landaeta (mediados del siglo XVIII), por lo que podemos afirmar que se trata de una pintura de manufactura caraqueña de finales del siglo XVIII. Lamentablemente, no posee ningún elemento estilístico que nos permita atribuirla a alguno de los pocos pintores identificados que trabajaron en Caracas durante esos años. El autor...

La escuela cusqueña es un término creado por la historiografía del arte peruano para agrupar a los talleres de artistas indígenas que pintaban de manera anónima y masiva para todo el altiplano andino y regiones más lejanas como Chile y Argentina durante los siglos XVII y XVIII. Sus obras se caracterizan por la presencia de paisajes repletos de vegetación, con flores, pájaros, y gamas cromáticas variadas y contrastantes. Es frecuente el uso del brocateado en pan de oro molido que ornamenta las vestimentas de los personajes. Estas características se aprecian en una pintura al óleo sobre tela (79 x 66 cm con marco) conservada en una colección privada en Caracas. Posiblemente la pieza fue adquirida durante las primeras décadas del siglo XX en algún anticuario. Anónimo cusqueño, Huida a Egipto, siglo XVIII. En esta pintura se representa el episodio de la Huida a Egipto,  el cual solo es mencionado por el evangelista Mateo (2:13-18). En su narración el suceso ocurre tras la presentación...

El uso de estampas como fuentes de inspiración en el arte colonial es algo muy común, en una época en la cual la originalidad no era un objetivo entre los artistas. Muy por el contrario, contar con una imagen que previamente habría sido revisada y aprobada por la Iglesia, le evitaba al artista tener que lidiar con la engorrosa tarea de investigar la correcta iconografía de cada tema a representar.  Por ello muchos artistas atesoraban colecciones de estampas entre sus instrumentos de trabajo. A su vez, la posibilidad de contar con una estampa del tema a representar le permitía al cliente poder exigir un tema específico con la seguridad de recibir exactamente lo que habría solicitado. Todo esto no significa que el artista se limitara a copiar las estampas de una manera pasiva. En infinidad de ocasiones encontramos combinaciones de estampas diversas en una misma obra, y en otras, pequeños cambios que facilitaban o complejizaban el tema representado, según los intereses del artista. Ta...

Los cuadros que representan a las Benditas ánimas del Purgatorio frecuentemente se confunden con imágenes del Infierno o del Juicio Final . Sin embargo, la clave para su correcta identificación se halla en las figuras de las ánimas o almas que se encuentran en la parte inferior de estas composiciones. Según el  dogma católico del Purgatorio configurado durante el siglo XII, se trata de un lugar de paso tras la muerte, en cual las almas de los cristianos fallecidos purgan sus pecados a través de un fuego purificador antes de ingresar al cielo. Por ello, las ánimas se encuentran serenas y confiadas en su futura salvación. Este punto es clave en la iconografía: las ánimas se muestran orantes y esperanzadas dirigiendo su mirada hacia el cielo, porque saben que su paso por este espacio es transitorio, a diferencia del infierno que es eterno. A su vez, no encontramos la presencia de demonios atormentadores, que son abundantes en las representaciones infernales.  Anónimo, Las bendi...

Este pequeño lienzo (36 x 47 cm con marco) pintado en Venezuela durante la época colonial está inspirado en una estampa del grabador flamenco Cornelis van Merlen (1649-1728) posiblemente elaborada entre 1680 a 1720, que reproduce una obra del pintor italiano Guido Reni (1575-1642), conservada actualmente en el Louvre. Esta estampa tuvo difusión en el continente americano cuando encontramos otro cuadro semejante en la Catedral de Puno (Perú), aunque con una policromía totalmente distinta a la pieza en estudio.  Cornelis van Merlen, San Francisco de Asís. La pintura anónima, conservada en una colección privada caraqueña, posee ligeras variantes en la naturaleza circundante al santo. Su hábito se ha pintado en castaño brillante, mientras en el resto se ha optado por una policromía oscura que resalta tanto la figura del santo como el cielo del fondo en tonalidades azules y crema muy suaves. La imagen muestra al santo en estado de trance, sus ojos dirigidos al cielo, desde donde recibe ...

En una colección privada caraqueña se conserva este óleo sobre tela de grandes dimensiones (123 x 94 cm con marco) que representa a San Miguel Arcángel . El cuadro está firmado al dorso " Joseh Padilla me fecit anni 1776 ", expresión clásica que nos revela al autor de la obra y la fecha de elaboración. Además, menciona que el cuadro fue pintado " A devoción de Juaquin Mariano Miguel Jph. de Rueda ." La devoción a uno de los pocos arcángeles identificados con nombre y misión en los textos bíblicos estaba bastante difundida en el continente americano. Se le apreciaba como protector contra el mal y conductor de las almas tras la muerte, pero también como el defensor de la Iglesia católica. José Padilla, San Miguel Arcángel , 1776. Sin embargo, al revisar los textos sobre historia de la pintura colonial en Venezuela no encontramos a un artista con ese nombre. En el Diccionario biográfico documental publicado por Carlos Federico Duarte en el año 2000, se recopila un art...

En una colección privada caraqueña encontramos este pequeño óleo sobre tela (33 x 39 cm), sin firma, que representa a la Virgen de la Soledad .  En el cuadro la figura de la Virgen ocupa toda la composición, sobre un fondo neutro de color castaño oscuro. Está rodeada de una cortina azul recogida para dejarnos ver la imagen mariana. En la esquina superior derecha se encuentran tres querubines. La Virgen lleva toca y túnica blanca. Cubre su cabeza con un amplio manto negro con estrellas blancas, el cual está anudado a sus pies con un lazo del que se aprecian las cintas. Un largo rosario de cuentas amarillas va pendiente de su cuello y cae sobre su túnica. La figura lleva la cabeza ligeramente inclinada hacia la derecha con gestos de dolor y tiene sus manos entrelazadas.  Sobre su cabeza lleva una aureola con rayos plateados, semejante a la que usan las figuras talladas por lo que se trataría de un retrato de una pieza escultórica. Anónimo caraqueño, Virgen de la Soledad, siglo ...

En una colección privada venezolana encontramos este interesante óleo sobre tabla (110 x 85 cm) que representa a San Francisco de Paula . Este santo nació en Paola de Calabria (Italia) en 1416. Fue el fundador de la orden de los Mínimos o Franciscanos Menores Reformados y falleció en Francia en 1507. Se le representa vestido con el hábito marrón de su orden, túnica con amplias mangas, capucha y escapulario corto y redondeado, sujeto a la cintura con un cordón. Puede llevar un rosario debido a su devoción a la Virgen María.  Su atributo más importante es la palabra  "Charitas"  (Caridad) inscrita en un disco solar, que, en este caso, observamos flotando en el cielo, hacia donde dirige su mirada. También suele portar el libro de la Regla de su orden.  La presencia de un cordero alude a un milagro realizado por el santo, en el cual resucitó al animal tras ser asado por unos obreros hambrientos que estaban construyendo el templo en Paola. El animalito era de su propiedad...

El cuadro que presentamos fue posiblemente realizado en la zona centro occidental del actual territorio venezolano, hacia mediados del siglo XVIII. No presenta ninguna firma, pero si una leyenda en la parte inferior que nos revela el tema del cuadro: "San Ramón Nonat". Está pintado al óleo y témpera sobre una pequeña tabla (36 x 43 cm), decorado con un sencillo marco dorado. Se conserva en una colección privada.  El anónimo artista representó a San Ramón Nonato, de pie, en todo el centro de la composición, sosteniendo entre sus manos una custodia y una palma.  La leyenda piadosa nos cuenta que  San Ramón Nonato habría nacido en Cataluña (actual España) en el año 1204. Su apodo de  Nonato  (no nacido) se debe a que su madre murió antes de parirlo, por lo que nació a través de una cesárea practicada sobre su cadáver.  Al llegar a la adultez ingresó en la orden mercedaria, que estaba recién fundada en territorio español, y fue enviado a rescatar esclavos crist...

Por Janeth Rodríguez Nóbrega En el Museo Nacional de Arte de México se encuentra un óleo sobre tela firmado (en el ángulo inferior izquierdo) por el artista novohispano Juan Correa. La pieza mide 76 x 143.5 cm y se ha titulado como El Niño Jesús con ángeles músicos (Fig. 1). Fig. 1 Juan Correa, El Niño Jesús con ángeles músicos, siglo XVII. Museo Nacional de Arte, México. Lo que motiva esta breve nota es nuestro descubrimiento de la fuente original grabada en la cual se inspira el artista para hacer su obra, la cual la hallamos en la colección de obras sobre papel de la National Gallery de Praga (República Checa). Al rastrear con mayor cuidado encontramos también ejemplares del mismo grabado en el Philadelphia Museum of Art y en la colección digital Wenceslaus Hollar de la Universidad de Toronto. La obra de Correa sigue fielmente un grabado realizado por el artista checo Wenceslaus Hollar (Václav Hollar) nacido en 1607, formado posiblemente en Alemania y radicado en Inglate...